Каталог курсовых, рефератов, научных работ! Ilya-ya.ru Лекции, рефераты, курсовые, научные работы!

Маньеризм как течение в европейском искусстве

Маньеризм как течение в европейском искусстве

Маньеризм (итал. manierismo, от maniera – прием, манера), течение в европейском искусстве 16 века, зародившееся в лоне искусства итальянского Возрождения и отразившее кризис ренессансных гуманистических идеалов. Мастера маньеризма культивировали представления о неустойчивости мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил, стремились не столько следовать природе, сколько выражать "внутреннюю идею" образа, рожденного в душе художника. Для итальянского маньеризма 1520-х годов (живопись Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо, Беккафуми) характерны драматическая острота образов, преувеличенная экспрессия поз и движений, удлиненность пропорций фигур, колористические и световые диссонансы, виртуозная нервная линеарность рисунка. В элитарном, ориентирующемся на знатока искусстве маньеризма возродились и отдельные черты средневековой, придворно-рыцарской культуры.

В маньеристическом портрете (Бронзино и др.), открывающем новые пути в развитии этого жанра, аристократическая замкнутость персонажей сочетается с обострением субъективно-эмоционального отношения художника к модели. Своеобразный вклад в эволюцию маньеризма внесли ученики Рафаэля (Джулио Романо, Перино дель Вага и другие), в монументально-декоративных циклах которых преобладали атектоничные, насыщенные гротескной орнаментикой решения.

К 1540-м годам маньеризм стал господствующим течением при дворах Италии; его художественный язык, насыщенный сложными, доступными лишь узкому кругу посвященных аллегориями, отмечен принципиальным эклектизмом выразительных средств (Джорджо Вазари, Анджело Бронзино, Франческо Сальвиати, Томмазо Манцуоли, Федерико Бароччи, Алессандро Аллори, Франческо Приматиччо, отчасти Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто и другие). В скульптуре (Бенвенуто Челлини, Бартоломео Амманати, Джамболонья, Бандршелли) и архитектуре (Бартоломео Амманати, Буонталенти, Джорджо Вазари, Лигорио, Джулио Романо) маньеризм проявился главным образом в тяготении к неустойчивой, динамичной композиции, подчеркнутой экспрессии декора, в стремлении к сценическим эффектам, к экстравагантности деталей.

Превращению маньеризма в общеевропейское течение способствовали деятельность итальянских мастеров во Франции (Россо Фьорентино, Приматиччо, Никколо дель Аббате, Челлини и др.), Испании (В. Кардучо), Чехии (Джузеппе Арчимбольди) и других странах, а также широкое распространение маньеристических картин, гравюр, графики и предметов декоративно-прикладного искусства. Принципы маньеризма определили творчество представителей 1-й школы Фонтенбло (Ж. Кузен Старший, Ж. Кузен Младший, А. Карон), немца Xанса фон Аахена, нидерландских мастеров Абрахама Блумарта, А. и X. Вредеман де Врис, X. Голциуса, Карела ван Мандера, Бартоломеуса Шпрангера, Корнелиса ван Харлема, Иохима Эйтевала, Корнелиса Флориса. Итальянское путешествие голландского художника Мартена ван Хемскерка (1532-1536) еще больше усилило влияние маньеризма в Нидерландах и Северной Европе. Благодаря Бартоломеусу Шпрангеру, антверпенцу по происхождению, но получившему образование и работавшему в Риме, Парме и Венеции, а позже в Вене и Праге, нидерландский маньеризм в последние два десятилетия 16 века претерпел решительные изменения. Влияние Шпрангера распространяется сначала в Харлеме, куда в 1577 прибывает Голциус, который с 1585 перевел многие произведения Шпрангера в гравюру. После 1583 года при участии Корнелиса ван Харлема и Карела ван Мандера, который в 1573-1577 работал вместе со Шпрангером в Риме и Вене. Образование этими тремя мастерами харлемской Академии (1587) и отъезд Голциуса в Италию (1590) привели к эклектизму маньеристического толка. Расцвет живописи маньеризма в Утрехте в 16 веке связан с именами Абрахама Блумарта и Иоахима Эйтевала стиль которых отмечен итальянским влиянием, одновременно героическим и реалистическим. В Германии ярким представителем маньеризма стал Ханс фон Аахен. Выступление в Италии, с одной стороны, академистов болонской школы, с другой — Караваджо ознаменовало конец маньеризма и утверждение барокко. В современном западном искусствознании сильны тенденции к неоправданному расширению понятия «Маньеризм», к включению в него мастеров или шедших своим, особым путем, или лишь испытавших отдельные маньеристические влияния (Якопо Тинторетто, Паоло Веронезе, Эль Греко, Лоренцо Лотто, Питер Брейгель Старший и другие). Справочные и биографические данные "Галереи живописи Планеты Small Bay" подготовлены на основе материалов "Истории зарубежного искусства" (ред. М.Т.Кузьминой, Н.Л.Мальцевой), "Художественной энциклопедии зарубежного классического искусства", "Большой Российской энциклопедии".

Ханс фон Аахен (Hans von Aachen) (1552, Кёльн - 4 марта, 1615, Прага), немецкий живописец и рисовальщик. Родился в Кельне (несмотря на фамилию, которая ведет происхождение от места рождения его отца). Обучался живописи в Кельне, в мастерской малоизвестного в настоящее время фламандского художника Георга Эрриха. В 1574 году Ханс фон Аахен совершил поездку в Италию, где продолжил обучение изобразительному искусству во Флоренции и Риме и, вероятно, также в Венеции. Большое влияние на дальнейшее творчество Аахена и формирование его маньеристического стиля оказали произведения Тинторетто и Караваджо. Аахен Ханс, как живописец, активно работал в Нидерландах. В 1588 году Ханс фон Аахен возвратился в Германию и приобрел признание как художник и мастер тонкого психологического портрета в аристократических семействах в Кельне, герцогском дворе в Мюнхене и знатной семье Фуггер в Аугсбурге. В 1592 году Ханс фон Аахен написал официальный портрет императора Рудольфа II, после чего был приглашен на должность художника придворного двора императора в Праге. Кроме служения императору на поприще изобразительного искусства, Ханс фон Аахен работал на семью Габсбургов в качестве дипломата и оценщика произведений искусства. Он много путешествовал по странам Европы с дипломатической миссией, а также с целью приобретения картин для великолепной художественной коллекции Рудольфа II. В 1596 Ханс фон Аахен сочетался браком с дочерью знаменитого композитора Орландо ди Лассо. В 1601 году Ханс фон Аахен окончательно переселился в Прагу и оставался там до конца своих дней. После смерти Рудольфа (1612) Ханс фон Аахен недолгое время работал придворным живописцем императора Маттиаса.  

Картины фон Аахена, изображающие изящные, удлиненные фигуры (также, как и картины его коллеги Бартоломеуса Шпрангера), являются образцами сложного искусства маньеризма, бывшим тогда ведущим стилем в искусстве Северной Европы. Ханс фон Аахен писал картины мифологической, аллегорической и религиозной тематики, а также портреты. Лучшем произведением художника считают картину «Торжество Истины и Справедливости» (1598, Пинакотека, Мюнхен), выполненную в сложной технике живописания на меди.

Аллори Алессандро (Alessandro Allori) (1535-1607), флорентийский живописец, ученик и приемный сын Бронзино. Аллори Алессандро был одним из самых плодовитых и активных живописцев в конце шестнадцатого столетия во Флоренции. Яркий представитель маньеризма. Родился 31 мая 1535 года во Флоренции. Его отец, оружейный мастер, умер, когда Аллори было только пять лет. Друг семьи живописец Аньоло Бронзино стал опекуном будущего художника. Много лет спустя художник Аллори закончил последнюю фреску Бронзино в Сан Лоренцо, которую мастер оставил незавершенной вследствие кончины в 1572 году.

Аллори был любимым учеником Аньоло Бронзино, и в большом множестве исторических хроник Бронзино упоминается как дядя Аллори. Аллори позже включил фамилию Бронзино в свою собственную, это подтверждается в надписи на одной из его картин: "Алессандро Аллори, воспитанник Аньоло Бронзино, сделал это в году 1552". Посещение Рима в молодые годы и знакомство с фресками и картинами Микеланджело добавило к изысканной манере живописи Аллори несомненное влияние великого мастера. После короткого пребывания в Риме, где Аллори испытал сильное влияние искусства Микеланджело, а также творчества Андреа дель Сарто, Бартоломео, Леонардо да Винчи, Понтормо, художник возвратился на родину во Флоренцию, где вскоре Аллори стал одним из основных живописцев для правящей семьи Флоренции, Медичи. Первой известной работой Аллори был запрестольный образ, написанный в 1560 году для Часовни святой Аннуциаты, часть алтаря о Страшном суде, в котором заметно влияние Микеланджело. Когда Буонарроти Микеланджело умер четыре года спустя, Алессандро Аллори готовил художественное оформление к похоронам гениального живописца и скульптора.

Кроме Анжело Бронзино Аллори был тесно связан с некоторыми другими лучшими флорентийскими художниками своего времени. Он сотрудничал с художником-маньеристом и историографом Джорджо Вазари, автором классического труда жизнеописаний итальянских художников, который был другом Бронзино.

Когда Великий герцог Тосканы Медичи распорядился расписать Студиоло Франческо в Палаццо Веккьо (ратуша Тосканы), Аллори работал над росписями совместно с Вазари. Работа в Палаццо Веккьо была закончена после смерти Бронзино, который был главным живописцем герцога Медичи много лет. Аллори в Палаццо Веккьо закончил работы Бронзино и самостоятельно создал великолепную живописную композицию, названную «Ловля жемчуга». Картину «Ловля жемчуга» (Палаццо Веккьо, Флоренция, 1571) вообще считают шедевром живописи маньеризма. Игривый и изобретательный, Алессандро Аллори комбинирует в полотне нагие фигуры: могучие и рельефные, как на фресках Микеланджело, со стройными и изящными, как на картинах Бронзино.

Собственно, герцог Медичи использовал таланты Аллори несколькими годами ранее, пригласив художника в 1565 году для художественного оформления свадьбы своего сына Франческо. Это была достойная работа для молодого приемного сына Бронзино Алессандро Аллори, поскольку Бронзино сам работал с герцогом Медичи над оформлением его собственной свадьбы. Жизнь и искусство художника Алессандро Аллори были тесно переплетены с заказами, которые получала мастерская Бронзино, но творческое наследие Аллори имеет и собственное хорошо ценимое собрание произведений. К лучшим работам живописца Алессандро Аллори относят картины: «Чудо святого Петра, идущего по воде» (1596, Галерея Уффици, Флоренция), «Снятие с креста» (1590-е, Музей Прадо, Мадрид), «Два ангела у тела Христа» (около 1600, Музей изящных искусств, Будапешт), «Аллегория Человеческой жизни» (1570-1590, Галерея Уффици, Флоренция), «Сусанна и старцы» (Музей Магнин, Дижон); и картину, написанную бесспорно под влиянием Аньоло Бронзино, «Венера и Купидон» (1570-е, Музей Фабре, Монпелье). На протяжении долгой творческой жизни у Алессандро Аллори было много сотрудников и студентов, включая Джованни Буттери, Кристофоро дель Альтиссимо, Джованни Биццели, Чезаре Дандини, Аурелио Ломи, Джона Моснира, Джованни Баттисту Ванни и Лодовико Киголи. Вклад Аллори во флорентийское искусство не закончился этим, поскольку художник был отцом живописца Кристофано Аллори, (1577 – 1621). Кристофано брал свои первые уроки живописи у отца, обучался и помогал ему в мастерской, но позже отошел от подобной мрамору, маньеристической живописи отца, склоняясь к более естественной и красочной живописи венецианцев. Кристофано стал одним из ведущих флорентийских живописцев, работающим в более натуралистичном стиле. Широко известна его работа, «Юдифь с головой Олоферна» (Палаццо Питти, Флоренция, 1615). В последующих столетиях это была одна из самых известных картин в Италии.

Алессандро Аллори помимо своих картин на мифологические и религиозные темы, был великолепным портретистом. В Оксфордском музее находится множество портретов кисти Алессандро и Кристофано Аллори.

В середине 1570-х годов Аллори был назначен директором флорентийской фабрики гобелена. Живопись художника Алессандро Аллори, на картинах которого изображены обнаженные мифологические герои в различных сложных и невероятных позах, типичная для флорентийского маньеризма последней четверти 16 века, влияла на художественный стиль в Тоскане в течение почти пятидесяти лет после смерти живописца. Аллори был одним из последних известных живописцев маньеризма, период которого закончился вместе с его смертью. Скончался Алессандро Аллори 22 сентября 1607 года.

Бронзино (Bronzino; собственно ди Козимо ди Мариано, di Cosimo di Mariano) Анджело или Аньоло (1503–1572), итальянский живописец флорентийской школы.

Родился 17 ноября 1503 в Монтичелли близ Флоренции. Бронзино был учеником и помощником Якопо Понтормо, испытал влияние Микеланджело Буонарроти. С 1540 придворный художник флорентийского герцога Козимо I Медичи. Представитель маньеризма, Бронзино Анджело создал тип аристократического портрета, в котором отчужденная замкнутость образов подчеркнута торжественной застылостью композиции, острым выверенным рисунком, холодным высветленным колоритом, бесстрастной точностью в воспроизведении деталей (портрет Козимо I Медичи, 1545).

Репрезентативные, виртуозные по исполнению портреты Анджело Бронзино принадлежат к числу самых ярких страниц искусства зрелого маньеризма. Бронзино великолепно умеет построить импозантную композицию, ввести аксессуары, подчеркивающие сословное положение модели, придать своим героям высокомерную небрежность, утонченный аристократизм и — при всей идеализации — сохранить убедительное портретное сходство. Но в портретах Бронзино отчетливо сказывается и воздействие жестких требований придворной культуры, ограничившей задачу портретиста запечатленном официально-парадного облика человека, его сословного величия. Композициям Анджело Бронзино свойственна также преувеличенная экспрессия, позы его персонажей переусложнены, их движения напряжены. Бесстрастие, надменная замкнутость, статуарность портретов Бронзино тесно связаны с их парадно-официальным характером и в то же время свидетельствуют о нарастающем равнодушии мастера к человеку. Недаром во многих его портретах блестяще, с натуралистической иллюзорностью выписанные аксессуары привлекают более пристальное внимание художника и становятся более выразительными, чем лицо; таково великолепное парчовое платье в портрете Элеоноры Толедской с сыном Джованни или виртуозно написанная прозрачная полосатая ткань в женском портрете из Турина (1550-е годы). После 1540 года Бронзино выполнил фрески в Палаццо Веккьо во Флоренции («Поклонение кресту с бронзовой змеей», «Моисей иссекает воду из скалы», «Архангел Михаил», «Гирлянда с ангелами» и другие). В творчестве Анджело Бронзино маньеризм достигает наивысшего расцвета. Картины заполнены фигурами, образующими своими очертаниями красивый, сложный рисунок; они расположены фризами, параллельными картинной плоскости; при этом мастер не стремится передать реальное трехмерное пространство. Вертикали и диагонали подчеркнуты, фигуры искусственно удлинены, их моделировка жесткая, скульптурная. Эти черты хорошо заметны в картинах «Пьета» и «Сошествие во Ад» (Галерея Уффици, Флоренция).

Литературные пристрастия и теоретические воззрения, характерные для эпохи маньеризма, нашли отражение в картинах Бронзино, написанных на сложные аллегорические сюжеты, «Аллегория триумфа Венеры», «Амур», «Глупость» и «Время» (1544–1545, Лондон, Национальная галерея). В портретах, особенно таких, как «Элеонора Толедская с сыном» (1545), «Молодой человек с лютней» (около 1530) и «Лукреция Панчиатики» (1540) (все – в Уффици), художник последовательно применяет маньеристические живописные приемы для достижения декоративности и изящества форм. Картины Бронзино отличаются тщательностью исполнения и аристократической сдержанностью образов. Многие из его моделей – члены семейства Медичи, придворным художником которого он был с 1540 года. Умер Бронзино во Флоренции 23 ноября 1572 года.

Вазари Джорджо (Vasari Giorgio) (1511–1574) Итальянский архитектор, живописец, историк искусства. В 1562 основал во Флоренции академию рисунка. В архитектурных работах (Палаццо деи Кавальери, 1562, и церковь Сан-Стефано деи Кавальери, 1565–1569, в Пизе), в том числе в своей главной постройке - ансамбле Уффици во Флоренции (здание правительственных канцелярий с узкой улицей-коридором между площадью Синьории и набережной реки Арно; 1560-1585, совместно с архитектором Б.Буонталенти) - Вазари сочетал элементы ренессансного зодчества и архитектуры маньеризма. Как живописец Вазари сформировался под влиянием Микеланджело (фрески в Палаццо Веккьо во Флоренции, с 1555, и Зале Реджа в Ватикане, 1571-1573). Вазари - автор “Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих” (1550; 2 изд., 1568; в русском переводе тома 1–4, 1956–1970; 2 изд., с 1993), сохраняющих свое значение как памятник литературы и как важнейший источник сведений о жизни и творчестве художников эпохи Возрождения.

Первым учителем Вазари был французский художник Гильом де Марсилья, расписывавший витражи церкви в Ареццо, когда Вазари не было ещё и двенадцати лет. Вскоре после этого он был замечен кардиналом Кортоне и был отправлен во Флоренцию. Там он учился под руководством Андреа дель Сарто и знаменитого Микеланджело. Молодому Вазари покровительствовали Александр и Ипполит Медичи, которые вскоре были вынуждены покинуть Флоренцию. Вазари вернулся в Ареццо, где получил несколько заказов и даже писал фрески.

Известный в то время скульптор, живописец и архитектор Россо, находясь в Ареццо, дал несколько советов молодому Вазари. В благодарность Вазари впоследствии подробно описал жизнь и труды своего наставника в своём сочинении. Вазари выполнил картину по рисункам Россо. Вазари в эти годы нуждался в деньгах. Его отец умер, и он заботился о своих трёх сестрах и двух братьях. Некоторое время Вазари обучался золотому и серебряному ремеслу, которое в то время считалось искусством.

Флоренция, где он уже несколько месяцев занимался этим делом, подверглась осаде в 1529 году, что заставило Вазари переехать в Пизу, и там он снова предался живописи; в это время ему было только 17 лет. Тогда начался ряд его путешествий по Италии и поисков за работой; при этом он счастливо встретился с одним из первых своих покровителей, Ипполитом Медичи, который взял его с собой в Рим, где Вазари стал неутомимо и настойчиво трудиться, и вскоре получил от своего покровителя заказ написать картину «Венера и Грации».

Когда Карл V (1531) восстановил власть Медичи во Флоренции, Вазари вернулся туда к герцогу Александру, большому почитателю живописи. Во дворце герцога Вазари написал несколько картин и портрет Александра, а также преподавал архитектуру и декор. Один из первых случаев выказать свой талант представился ему при торжественном въезде Карла V в Рим (1536), когда нужно было сочинить разные декоративные постройки. В это время Вазари написал для монастыря святой Клары в Ареццо картину «Благовещение». В Лувре находится картина Вазари с аналогичным сюжетом (La salutation angelique), возможно, это и есть «Благовещение» из Ареццо.

В 1537 году Александр Медичи был злодейски убит, и Вазари снова остался без покровителя. Несмотря на свой юный возраст, Вазари уже приобрел большую известность и стал получать различные приглашения. После многих поездок он в 1540 работал в Болонье над картиной «Трапеза св. Григория». По сюжету и по исполнению она считается одной из лучших. Эта картина и теперь находится в Болонье. Все лица этой картины — портреты современников Вазари, все они указаны в его книге. Вазари работал чрезвычайно быстро, хотя и пользовался помощью многих молодых художников, имена которых тоже сохранились.

К сожалению, ценность этих произведений сомнительна. Вазари не сознавал своих недостатков и, напротив, с особенным удовольствием описывал все свои работы в самых мелких подробностях. Несмотря на то, что Вазари был хорошим рисовальщиком, в его фигурах встречаются неправильности. Его картины написаны в холодной цветовой гамме и часто не гармоничны. Сюжет часто поверхностен, глубины чувств нигде не видно.

Успех Вазари в архитектуре был переменчив. Вазари был талантлив в декоре, но мирился с неудачами в монументальной архитектуре. Он неудачно перестроил несколько зданий, не сумев сохранить единство архитектурного образа. Построенные Вазари новые здания отличаются своеобразной красотой и оригинальностью. Здание для папы Юлия III в Риме и здание Уффици во Флоренции, начатое Вазари, свидетельствуют в пользу его архитектурного таланта. Ему же принадлежит комплекс зданий, составляющих Дворец рыцарей святого Стефана в Пизе и многое другое.

Собственно, самой большой заслугой Вазари считается его монументальный труд «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» («Le Vite de’piu eccelenti Pittori, Scultori e Architetti»), который был окончен в 1550 году. Вторым дополненным изданием с приложением портретов знаменитых художников книга вышла в 1568. Без ценных сведений, содержащихся в «Жизнеописании…» в истории итальянского искусства был бы большой пробел. Вазари в своей книге подробно повествует о собственном творчеством и не стесняется отдавать должное своему таланту живописца и архитектора. Более поздние издания, снабженные комментариями разных авторов, неоднократно выходили за прошедшие десятилетия.

Тинторетто (Tintoretto) Якопо (настоящая фамилия Робусти, Robusti) (29 сентября 1518, Венеция — 31 мая 1594, там же), итальянский живописец; наряду с Джованни Беллини, Джорджоне, Тицианом и Паоло Веронезе является одним из крупнейших представителей венецианской школы.

Был сыном красильщика шелка, отсюда прозвище «Тинторетто» (маленький красильщик). Еще в детстве пристрастился к рисованию углем и пользовался красками отца для своих живописных опытов на стене дома. Первый биограф художника Ридольфи сообщает о детстве художника: «чтобы лучше изучить приемы наложения красок, Тинторетто бегал всюду, где что-нибудь окрашивали и расписывали, и часто принимал участие в работах маляров». Из источников известно об участии молодого Тинторетто Якопо в росписи ряда фасадов, он начинал также как декоратор свадебных кассоне. Биографы художника (Джорджо Вазари, Боргини, Ридольфи) рассказывают о скромном быте Тинторетто, столь не похожем на шумный и пышный образ жизни его старшего современника Тициана или его друга Веронезе. Вместе со своей обширной семьей Тинторетто занимал скромное жилище близ церкви Санта Мария дель Орто (Венеция), которую он сам расписал и где впоследствии был похоронен. Заказчиками мастера часто были религиозные и филантропические братства. Известный своим бескорыстием, он неоднократно предлагал свои услуги государству и Церкви с единственным условием, чтобы ему были оплачены холст и краски: грандиозный цикл в Скуола ди Сан Рокко (Венеция) был выполнен им единолично за ничтожную плату — ежегодную ренту в 100 дукатов.

Современники ценили Тинторетто за острый ум, простой открытый нрав. К узкому кругу его друзей принадлежали выдающиеся венецианские гуманисты, ученые и музыканты — Даниэле Барбаро, братья Вениер, Лодовико Дольчи, Джузеппе Царлино и другие. Известно также, что Якопо Тинторетто отличался большим музыкальным дарованием, прекрасно играл на различных музыкальных инструментах и любил устраивать всякого рода музыкально-сценические инсценировки. В 1545-1546 Тинторетто побывал в Риме и Мантуе, все остальные годы он безвыездно работал в Венеции. В 1550 Тинторетто женится на Фаустине деи Вескови, его дети от этого брака, рано умершая Мариэтта и старший сын Доменико, помогали отцу в мастерской и оставили самостоятельные работы, младшая дочь Оттавия вышла замуж за художника Франческо Кассер, продолжившего традиции мастерской после смерти учителя. Имена учителей Тинторетто не подтверждены документально. Своих идеальных вдохновителей и предшественников Тинторетто назвал сам, написав на дверях своей мастерской девиз: «Рисунок Микеланджело, колорит Тициана». Пребывание Тинторетто в мастерской Тициана было, однако, кратковременным: через несколько дней после вступления Тинторетто в мастерскую, Тициан, увидев его рисунки, тотчас же предписал своему помощнику отпустить Тинторетто из мастерской. Что послужило причиной этого, как и последующей враждебности всего кружка Тициана, Пьетро Аретино и Якопо Сансовино, осталось неизвестным. Для самого же Тинторетто Тициан был воплощением «золотого века» венецианской живописи, вершиной ее славы и великолепия, в ранний период его творчества искусство великого венецианца оказало на него самое прямое и сильное воздействие.

Быстрый темп работы, смелые и свободные приемы письма, то, что Тинторетто в значительной степени был самоучкой, создали у многих его современников представление о якобы беглой, поверхностной и небрежной манере его живописи. Однако именно Тинторетто, в отличие от всей предшествующей практики венецианской живописи, чрезвычайно большое значение придавал рисунку. Тинторетто любил говорить, что «краски можно купить на Риальто, тогда как искусство рисования достигается лишь упорной работой». Известно также, что художник подробно изучал анатомию. С ранней юности до глубокой старости он упражнял свой глаз рисованием не только с натуры, но и со скульптуры и манекенов; при мастерской художника имелось богатое собрание слепков. Первые самостоятельные произведения Тинторетто (начиная с 1539, две мифологические картины для плафона, выполненные по заказу Аретино в 1545, «Тайная вечеря» для Сан Маркуола, 1547) обнаруживают связь молодого мастера с классическими традициями венецианской живописи — отчасти с Тицианом, в большей мере с Парисом Бордоне и Бонифачио Веронезе. Однако манера широкого эскизного мазка, сложность ракурсов, выбор очень высокого горизонта, сочетание богатого узора линий и цвета со сдержанностью колорита говорят о развивающейся зрелой манере мастера. В его ранних произведениях впервые появляются легкие, почти прозрачные фигуры дальнего плана, чуть намеченные легкой сетью прозрачных мазков, — прием, придающий живописи Тинторетто особую одухотворенность.

В 1548 по заказу братства Скуола ди Сан Марко была написана картина «Чудо святого Марка» (в настоящее время в Венецианской Академии). На картине изображен момент, когда святой Марк спускается с неба, чтобы спасти от пыток раба, ослушавшегося своего хозяина и пришедшего молиться на могилу святого. «Чудо святого Марка» является как бы итогом исканий молодого мастера и своего рода синтезом тех воздействий, которые на него оказали живопись Тициана и других венецианцев, искусство Микеланджело, римско-флорентийский маньеризм. Картина построена на диагоналях и кривых взлетах композиции, смелых ракурсах и неожиданных позах; колорит — на чисто венецианских противопоставлениях густых сверкающих тонов переднего плана и нейтрального фона. Тяга к трагическим конфликтам, пластической мощи и страстной динамике форм и цвета роднит Тинторетто с Микеланджело. Картина «Чудо святого Марка» помогла Тинторетто обрести широкую популярность в Венеции: он получает несколько официальных заказов, начинает работать в Прокурациях, во Дворце Дожей, в ряде венецианских церквей и для различных религиозных братств, пишет большое количество портретов, которые ему заказывают монархи, дожи, высшая знать Италии. В портретах Тинторетто привлекает, как и в природе и в жизни, не столько телесное, внешнее, сколько внутреннее, эмоциональное. Они совершенно бездейственны, а в поздние годы — как бы бестелесны. Всем портретам Тинторетто присуще благородство, серьезность, аристократизм («Мужской портрет с золотой цепью», Прадо, Мадрид), они далеки от всего обыденного; в них нет ничего случайного и мимолетного, но наряду с полной физической пассивностью, особенно в поздних портретах, им присуща необычайная острота и насыщенность духовного выражения («Альвизе Корнаро», Галерея Питти, Флоренция; «Себастьяно Вениер», Музей истории искусства, Вена). Глаза самых поздних портретов (например, «Автопортрет Якопо Тинторетто», Лувр) у художника почти всегда смотрят на зрителя, но его не видят, потому что обращены в себя, в свой внутренний мир, причем эта замкнутость, уход в себя всегда окрашивается оттенком меланхолии или недоуменного вопроса.

Серия религиозных картин Тинторетто открывается одним из его шедевров — «Введением во храм» — на дверях органа в церкви Санта Мария дель Орто. Отныне самыми излюбленными приемами Тинторетто становятся выбор точки зрения с очень низким горизонтом, построение картины в крутых диагоналях, стройные, удлиненные пропорции фигур с маленькой головой, светящиеся, сдержанные в гамме цвета.

Впечатляющая, захватывающая дух мощь пространства, головокружительные расстояния вверх и вдаль, необозримость человеческих масс характерны и для гигантских картин Тинторетто самого конца 1550-х годов для алтаря Санта Мария дель Орто — «Поклонение золотому тельцу» и «Страшный суд». Движения и жесты то внезапно обрываются, то переплетаются или продолжаются в другой фигуре, жесты и позы — недосказанные, движения — затрудненные и порывистые.

В 1562 Тинторетто начинает свой знаменитый цикл, посвященный легенде о святом Марке («Похищение тела святого Марка», «Спасение сарацина», Венецианская Академия; «Опознание тела святого Марка», Галерея Брера, Милан). Заканчивается эта серия монументальных композиций «Тайной вечерей» в церкви Сан Тровазо (1566). В 1566 Тинторетто вместе с Тицианом, Андреа Палладио, Сансовино и Франческо Сальвиати был избран членом Флорентийской Академии рисунка. В последующие годы он выполняет множество официальных заказов: во Дворце Дожей — большие композиции «Страшного суда» и «Битвы при Лепанто» (погибли при пожаре в 1577), участвует в украшении библиотеки святого Марка, выполняет ряд картонов для мозаик, пишет серию официальных портретов (например, ныне утраченный портрет французского короля Генриха III).

В 1560-е годы происходит сближение художника с Веронезе — отныне их будет связывать крепкая дружба. В эти же годы Тинторетто пишет «поэзии» — картины на мифологические сюжеты («Млечный путь», Лондон). Некоторые из них были призваны аллегорически прославлять Венецию: как царицу морей («Обручение Вакха с Ариадной»), ее военную мощь («Кузница Вулкана»), мудрость ее дипломатии («Минерва отстраняет Марса от Мира и Изобилия»), ее богатство и красоту («Меркурий и три Грации»). Главной ареной деятельности Тинторетто в последние тридцать лет его жизни стали работы для братства Сан Рокко — 56 картин. Братство святого Роха (Скуола ди Сан Рокко) было одним из самых влиятельных в Венеции и ставило своей задачей помощь бедным и больным. В 1564 братство решает приступить к украшению своего дворца и плафона большого зала и организует конкурс на лучший проект среди наиболее прославленных живописцев, в котором должны были принять участие Веронезе, Сальвиати и Таддео Цуккаро. Конкурс не состоялся, так как Тинторетто предложил совету братства свою конкурсную картину «Святой Рох во славе» безвозмездно. С этого момента начинается все более тесное сближение мастера с братством, членом которого он становится в 1564, а в 1565 пишет первую картину для братства — «Распятие», одно из самых больших в мире живописных полотен.

В 1576 Тинторетто возвращается к работам в Скуола ди Сан Рокко и обязуется к празднику святого закончить и принести в дар братству центральную и самую крупную композицию плафона — «Медный змий». В 1577 он заканчивает еще две картины, довольствуясь оплатой стоимости холста и красок, и в том же году обращается к братству с новым предложением — обязуется закончить украшение плафона и написать ряд картин для церкви братства, 10 картин для украшения стен верхнего этажа, выполняя не менее 3 картин в год. В качестве компенсации за эту огромную работу он просит ничтожную годовую пенсию в 100 дукатов. В 1578-1581 годах живописец выполняет 10 композиций в верхнем зале, в 1582-1584 работает над стенными композициями нижнего зала («История Марии»). Заканчивается цикл картиной «Встреча Марии с Елизаветой» (1588) на главной лестнице. На потолке верхнего зала сосредоточены события Ветхого Завета, стены отведены эпизодам Нового Завета, причем художник распределяет отдельные события не в исторической последовательности, а по тематическим центрам, подчеркнутым тремя большими композициями на плафоне: живая вода — «Моисей, источающий воду из скалы», хлеб насущный — «Сбор манны», сила духа, преодолевающая болезни и смерть, — «Медный змий». Драматическое напряжение нарастает от краев к середине зала, где центр плафона занимает огромная композиция «Медный змий», обрамленная двумя пророческими видениями — «Лестницей Иакова» и «Видением Иезекииля», а на противоположных стенах друг другу соответствуют наиболее насыщенные светом образы «Воскресения» и «Вознесения».

В десятилетний период работы над верхним и нижними залами Скуола ди Сан Рокко Тинторетто выполняет ряд исторических картин: так называемый «цикл Гонзага» (1580, Мюнхен), 4 батальные композиции в зале Большого Совета во Дворце Дожей (1581-1584), «Битву при Заре» (1584-1587). Тогда же, в 1588-1590 годах, мастер создает свой шедевр «Битву архангела Михаила с сатаной».

К последним годам жизни художника относится работа над картинами для церкви Санта Мария Маджоре. Среди них главное место занимает «Тайная вечеря», написанная в год смерти художника (1594). Ни один художник не возвращался так часто к теме Тайной вечери (картины для Сан Маркуоло, 1547; Сан Симионе, около 1560; Сан Тровазо, около 1565; Сан Поло, 1578 и др.). Впервые в искусстве итальянского Возрождения Тинторетто изображает не традиционный, драматический момент предсказания предательства («Один из вас предаст меня»), а мистический момент утверждения таинства («Сие есть Тело Мое»). Последняя картина «Тайная вечеря» Тинторетто стала высшим воплощением духовного кредо художника, его завещанием.

Эль Греко (El Greco; собственно Доменико Теотокопули, Theotocopuli) (1541-1614), великий испанский живописец, архитектор и скульптор. Грек с острова Крит, Эль Греко учился, видимо, у местных иконописцев, после 1560 приехал в Венецию, где, возможно, обучался у Тициана; с 1570 работал в Риме, испытал воздействие маньеризма, Микеланджело, Бассано, Пальма Веккьо, Тинторетто.

В Венеции и Риме Эль Греко овладел приемами масляной живописи, передачей пространства и перспективы, обобщенным широким мазком; особенностями венецианского колоризма. Произведения, среди которых лишь немногие признаны достоверно принадлежащими кисти Эль Греко, отмечены разнохарактерностью исканий (“Изгнание торгующих из храма”, 1570, Национальная галерея, Вашингтон; “Исцеление слепого”, 1567-1570, Картинная галерея, Дрезден; портрет миниатюриста Джулио Кловио, 1570, Музей Каподимонте; портрет рыцаря Мальтийского ордена Виченцо Анастаджи, 1576, собрание Фрик, Нью-Йорк). Расцвет таланта Эль Греко наступил в Испании, куда он переехал около 1577 и где, не получив признания при королевском дворе в Мадриде, поселился в Толедо. В зрелом творчестве живописца Эль Греко, родственном поэзии испанских мистиков XVI века (Хуан де ла Крус и др.), в иллюзорно-беспредельном пространстве стираются грани между землёй и небом, реальные образы получают утонченно-духовную интерпретацию (торжественно-величавая композиция “Погребение графа Оргаса”, 1586-1588, церковь Санто-Томе, Толедо; “Святое Семейство”, около 1590-1595, Музей искусства, Кливленд).

Резкие ракурсы и неестественно вытянутые пропорции в картинах художника порой создают эффект стремительного изменения масштаба фигур и предметов, то внезапно вырастающих, то исчезающих в глубине картинного пространства (“Мученичество святого Маврикия”, 1580-1582, Эскориал). Одну из главных ролей в этих произведениях Эль Греко играет колорит, основанный на обилии холодных рефлексов, беспокойной игре контрастных цветов, ярко вспыхивающих или приглушенных.

Острая эмоциональность образного строя характерна и для портретов Эль Греко, отмеченных тонкой психологической проницательностью (“Главный инквизитор Ниньо де Гевара”, 1601, Метрополитен-музей) или проникновенным драматизмом (“Портрет неизвестного рыцаря”, 1578-1580, Музей Прадо, Мадрид). Черты ирреальности, мистического визионёрства нарастают в поздних картинах Эль Греко (“Снятие Пятой печати”, Метрополитен-музей; “Лаокоон”, Национальная галерея искусства, Вашингтон, - обе 1610-1614), острым трагическим чувством пронизана его пейзажная композиция “Вид Толедо” (1610-1614, Метрополитен-музей).

Повышенная одухотворенность образов, мистическая экзальтация сближают искусство Эль Греко с маньеризмом и выражают кризисное состояние художественной культуры Позднего Возрождения. Отмеченное напряженным стремлением к выражению возвышенно-драматических порывов человеческого духа, творчество Эль Греко в XVII-XIX веках было забыто и заново открыто только в начале XX века.



Наш опрос
Как Вы оцениваете работу нашего сайта?
Отлично
Не помог
Реклама
 
Мнение авторов может не совпадать с мнением редакции сайта
Перепечатка материалов без ссылки на наш сайт запрещена