Понятие композиции в музыкальном спектакле

Понятие композиции в музыкальном спектакле

Композиция в музыке

Музыкальное произведение – это результат творческого акта композитора.

Понятие композиции, как законченного художественного целого сложилось не сразу. Его становление тесно связано с уменьшением роли импровизационного начала в музыкальном искусстве и совершенствованием нотной записи, на определенном этапе развития сделавшей возможной точную письменную фиксацию существенных черт музыкальных произведений. Вследствие этого современный смысл композиция приобретает лишь в 13 веке, когда в нотной записи выработались средства фиксации не только высоты, но и длительности звуков. В любой композиции находят отражения и как общие, так и индивидуальные особенности музыкального искусства данной эпохи.

История музыки во многом представляет собой историю музыкальной композиции в выдающихся произведениях крупных музыкантов. Композиция никогда не бывает абсолютно законченной – ни в границах одного художественного произведениях, ни в масштабах художественного направления, течения, стиля. Композиция – это не состояние, а процесс. По определению С. Даниэл композиция мыслится, реализуется и воспринимается, как «процесс реализующий развертывание идеи, композиционное начало, подобно стволу дерева, которое органически связывает корни и крону дерева, ответвления, побеги изобразительной формы».

Каждое произведение искусства является отражением не одного исторического момента, а представляет собой сплав универсального и актуального, традиционного и новаторского, известного и неизвестного радости легко узнаваемого и удивления перед необычным, новым.

Музыка

Подлинное мастерство, умение владеть выразительными средствами сценического искусства зависит наряду с другими факторами и от уровня музыкальной культуры. Ведь музыка - один из важнейших элементов театрализованного представления почти любого жанра. Музыка – выразительное средство искусства.

Ни одна книга не может заменить самой музыки. Она может только направить внимание, помочь понять особенности музыка ной формы, познакомить с замыслом композитора. Но без слушания музыки все знания, приобретенные из книги, останутся мертвыми, схоластичными. Чем регулярнее и внимательнее челн слушает музыку, тем больше он начинает в ней слышать. А слушать и слышать — не одно и то же. Бывает так, что музыкальное произведение поначалу кажется сложным, недоступным восприятию. Не следует торопиться с выводами. При повторных прослушиваниях наверняка раскроется его образное содержание, и станет источником эстетического наслаждения.

Но чтобы эмоционально пережить музыку, нужно воспринимать самою звуковую ткань. Если человек эмоционально реагирует на музыку, но при этом очень немногое может различить, дифференцировать, «расслышать», то до него дойдет лишь незначительная часть се выразительного содержания.

По способу использования музыки в действии ее разделяют на две основные категории: сюжетная и условная.

Сюжетная музыка в спектакле, несет самые разнообразные функции. В одних случаях она дает только эмоциональную или смысловую характеристику отдельной сцены, не вторгаясь непосредственно в драматургию. В других случаях сюжетная музыка может подняться до важнейшего драматургического фактора.

Сюжетная музыка может:

·              Характеризовать действующих лиц;

·              Указывать на место и время действия;

·              Создавать атмосферу, настроение сценического действия;

·              Рассказывать о действии, невидимом для зрителя.

Перечисленные функции, естественно, не исчерпывают все многообразие приемов использования сюжетной музыки в драматических спектаклях.

Ввести условную музыку в спектакль значительнее труднее, чем сюжетную. Ее условность может войти в противоречие с реальностью жизни, показываемой на сцене. Поэтому условная музыка всегда требует убедительного внутреннего оправдания. Вместе с тем выразительные возможности такой музыки очень широки, для нее могут быть привлечены разнообразнейшие оркестровые, а так же вокально-хоровые средства.

Условная музыка может:

·              Эмоционально усилить диалог и монолог,

·              Характеризовать действующих лиц,

·              Подчеркивать конструктивно-композиционное построение спектакля,

·              Обострять конфликт.

Одна из общих функций музыки в спектакле - иллюстративность. Под иллюстративностью понимают прямую связь музыки со сценическим действием: персонаж получил радостное известие - напевает веселую песенку или танцует под звуки радиоприемника; музыка за сценой изображает картину бури, шторма; драматически звучащая музыка выражает драматическую ситуацию на сцене и т. п. Примеры подобного использования музыки можно встретить почти в каждом спектакле. В силу своей ярко выраженной эмоциональности музыка активно воздействует именно на эмоциональную атмосферу представления при выполнении ею любых драматургических функций.

Музыка все чаще становится активным эмоциональным началом, она практически связана с действием, атмосферой спектакля и призвана раскрывать и дополнять сущность драмы. Таким образом, способность актера и режиссера чувствовать эмоциональный и ритмический строй музыкального произведения, способность и умение строить мизансцену, действовать и двигаться в музыке и с музыкой приобретают очень важное значение.

Мелодия – важнейший элемент музыкального искусства. Когда певец поет без сопровождения, мы слышим мелодию – «одноголосно выраженную музыкальную мысль». Эта мелодия может быть самостоятельным художественным произведением. Музыка к спектаклям подбирается в основном условная, так как сюжетная предопределена драматургом в его ремарках к пьесе.

Подбор музыкального материала - процесс сложный. Используя фрагменты музыкального творчества одного или разных авторов, режиссер как бы «пересоздает» качественно новое, целостное произведение, отвечающее характеру и всему строю сценического представления. Если эти мелодии в одном жанровом, стилевом ключе, то представление будет более целостное, завершенное. Поэтому желательно отбирать музыку из произведений одного или нескольких близких по творческой индивидуальности композиторов.

Помня о том, что музыка- одно из выразительных средствах спектакля, следует помнить о том, что искусство познает жизнь в логике закономерных неожиданностей, поэтому режиссер должен быть контрапунктистом в организации света, звуков, « ритмов спектакля, всех его компонентов, только тогда пьеса зазвучит как симфония, будет переливаться «перламутром красок».

Создание атмосферы спектакля

Атмосфера — это воздух спектакля, «силовое поле», которое создается в спектакле усилиями'- всего коллектива. Актер, мир, окружающий его в спектакле: тишина, пауза, звуки, борьбы между персонажами, мизансцены, декорация и музыка— все, что излучает пространство сцены, создает атмосферу спектакля. Которая о многом рассказывает зрителям и является важным стимулом творчества актера. Атмосфера, одно из главных выразительных средств спектакля. Музыка чаще всего становится активным эмоциональным началом, она практически связана с действием, атмосферой спектакля и призвана раскрывать и дополнять сущность драмы. Таким образом, способность актера и режиссера чувствовать эмоциональный и ритмический строй музыкального произведения, способность и умение строить мизансцену, действовать и двигаться в музыке и с музыкой приобретают очень важное значение.

Можно найти разные способы вживания в атмосферу пьесы, общую или какого-то отдельного события. Истинная атмосфера пьесы зависит от первых эмоциональных чувств, от неистребимого желания делать спектакль. Эту первичную атмосферу надо всеми силами сохранять в душе актёра, тренировать её, а уже потом постепенно, не рискуя спугнуть её, идти по пути действенного анализа.

Наиболее эффективными средствами для тренинга атмосферы являются особые предлагаемые обстоятельства и музыка. Которые провоцируют в душе актёра переживания, аналогичные нужной атмосфере. Актёры существуют в заданных предлагаемых обстоятельствах или под воздействием музыки, выходят на сценическую площадку и пытаются импровизационно передать через определённые действия или мизансцены свои впечатления или восприятие пьесы. Музыка может быть дифференцирована: для той или иной сцены, для того или иного персонажа, для “зерна” пьесы. Она может быть посвящена цвету пьесы, её запаху, объёму, форме, агрессии или нежности, интриге, потерянности и т.д. Иначе говоря, в тренинге ничего не играем, а проживаем. Любой участник спектакля может принести своё восприятие пьесы, роли в виде музыки или живописных работ.

Такое же полезное применение может иметь для этой работы темпо-ритм. Жак Далькроз, разработавший в начале прошлого века уникальный метод ритмической гимнастики, писал: “Художник всегда видит связь между внешним проявлением и душевном эффектом; из того или иного темпа движений он заключает о том или ином настроении ума и души. Мотивы движения и автор движений, душевный процесс, их породивший, интересуют его больше, чем самый факт…движения”, т. е. здесь важно не что делает человек, а как делает, не смысл, а чувственно психологическая загрузка. “Отношения между быстротой, лёгкостью, медлительностью и тяжестью дают ключ к внутреннему миру идей и воли”.

Идея Далькроза интересна и с точки зрения синтеза пластического темпо-ритма и музыки, который может стать мощным возбудителем индивидуальной атмосферы исполнителя. Он писал: “Благодаря чудесным тайнам искусства, музыкальные ритмы могут стать пластическими, видимыми, а пластические ритмы могут быть переводимы в музыкальные…; как прекрасен жест, как божественно хороша поза, когда они в точности передают характер музыкальной динамики, кажется, будто всё человечество объемлется дивными колебаниями звуков”.

Константин Сергеевич Станиславский также придавал темпо-ритму исключительное значение, как главному и мощнейшему возбудителю и провокатору чувств человека.

“Всё, что мы узнали о темпо-ритме, говорил Станиславский, приводит нас к тому, что он самый близкий друг и сотрудник чувства, потому что он является нередко прямым, непосредственным, иногда даже почти механическим возбудителем эмоциональной памяти, а следовательно, и самого внутреннего переживания…; между чувством и темпо-ритмом нерасторжимая зависимость, взаимодействие и связь”.

Личная атмосфера актёра, выходящего на сцену, может быть спровоцирована, введена в действенный процесс и доведена до максимума с помощью заданных пластических темпо-ритмических структур, отягощённых предлагаемыми обстоятельствами, адекватными природе чувств драматургического материала. Станиславский предлагает отбивание пальцами ритмов различных процессов развития предлагаемых обстоятельств с целью вызвать то или иное чувство, переживание. Или, к примеру, хлопанье в ладоши без предлагаемых обстоятельств тоже создавало настроение; или же комплексные пластичные ритмы на “зерно”: президент спортивного общества превращался в пьяного лакея на железнодорожной станции. Главное в этих опытах - поддерживать и развивать в актёре импровизационное самочувствие, которое должно сохраниться на всём процессе репетиционной работы. Потому что именно эта способность и готовность к непрерывной импровизации рождает органику сценической атмосферы, ту органику, которая вызывает ответную реакцию зрителей, атмосферу зрительного зала.

Как известно, о слиянии в единую духовную энергию, единый порыв атмосферы сценической и атмосферы зрительской мечтал В.Э. Мейерхольд. Для него конечной целью было создание единого организма, состоящего из сцены и публики, который несёт в себе единую атмосферу спектакля и является объединяющим началом и принципом сотворчества актёров и зрителей. Духовное и эмоциональное единение в сфере, по выражению Станиславского, “совместного творчества” способно “воспламенить сразу тысячу сердец”. И здесь происходит реализация “бессознательного “Я” артиста, воздействующая на “бессознательное “Я” зрителя и вызывающая обратную связь. Происходит то, что Е.Б. Вахтангов называл признаком гениальности. На стыке атмосферы сцены и атмосферы публики возникает нечто третье, часто уже не зависящее от воли актёров или зрителей; возникает тот “момент истины”, ради которого и осуществляется Театр.

Музыкальная партитура

Современная звукорежиссура оказывает большое влияние на формирование звуковой среды эфирного пространства.

Звуковая партитура - руководящий документ, подсказывающий звукооператору те моменты в ходе программы, когда нужно включить и когда выключить фонограмму. Она необходима для понимания общего музыкального сопровождения проекта и представляет собой «черновик» главной музыкальной темы, звукового логотипа, и т.д.

Свой замысел музыкального и шумового оформления режиссер начинает практически воплощать в репетиционный период работы над программой. На заключительном этапе репетиционной работы, когда все музыкальные и шумовые номера определены, то есть установлены реплики на включение и выключение, звуковые планы и уровень звучания для каждого звукового фрагмента, звукорежиссер составляет окончательный вариант звуковой партитуры мероприятия.

Партитура является документом, следуя которому проводят звуковое сопровождение проекта. Она сверяется с режиссерским экземпляром сценария, согласовывается с руководителем музыкальной части и утверждается режиссером. После этого все изменения и исправления в партитуру вносятся только с разрешения режиссера.

В партитуре указываются основные сведения о проекте: автор сценария, режиссер, художник, звукорежиссер, звукооператор и помощник режиссера. Указывается также дата проведения мероприятия. Кроме этого, в партитуре указывают действующих лиц и исполнителей. Реплики и действия которых, связаны с теми или иными музыкальными, шумовыми номерами, а также техническими средствами, которые необходимы для проведения звукового сопровождения мероприятия. Указывается количество магнитофонов, усилителей (сквозных каналов), группы громкоговорителей на сцене и в зрительном зале, а также количество и тип микрофонов, место и способ их установки на сцене. Здесь же указывается схема коммутации источников звуковой программы (магнитофоны, микрофоны и пр.), усилителей и громкоговорителей. Указываются и установочные уровни усиления и частотная коррекция в конечных и промежуточных усилителях на пульте звукорежиссера. При использовании на спектакле ревербератора и, панорамного микшера указывается режим их работы и схема подсоединения к каналам звукоусиления.

Партитура составляется в следующем порядке:

-указывается порядковый номер включения и номер магнитофона, с которого предполагается воспроизводить фонограмму музыкального или шумового фрагмента,

-указывается наименование фрагмента, например: «вальс» или «шум поезда», -реплика на включение (слово или движение ведущего, команда помощника режиссера, смена света и пр.),

- реплика указывается с ссылкой на действующих лиц,

-звуковой план воспроизведения (группу громкоговорителей) и технологический прием введения фонограммы, например - «резко», «плавно» и пр.

-уровень звучания в партитуре (децибелы, или в музыкальные термины),

-постепенное усиление или ослабление звука, резкое усиление уровня звучания какого-либо отдельного аккорда, выделение музыкальной фразы,

-указывается также и реплика на снятие звука и технологический прием его выведения - «плавно», «резко» и пр.

В примечании указываются также момент включения ревербератора и другие особенности звукового сопровождения мероприятия. В тех случаях, когда музыкальный или шумовой фрагмент дается с «наплывом», то есть одна фонограмма вводится во время звучания другой (воспроизведение с двух магнитофонов), это определяется следующим по порядку номером включения.

Включение микрофона выделяется в партитуре отдельно, между очередными включениями магнитофона (порядковый номер не ставится). Как и при воспроизведении фонограммы, указывается реплика на включение микрофона, группа громкоговорителей и оптимальный уровень усиления.

Желательно, чтобы в партитуре были отмечены промежутки времени между отдельными включениями магнитофона или микрофона. Это позволит в процессе звукового сопровождения мероприятия оперативно проводить необходимую перекоммутацию источников программ и громкоговорителей, смену фонограмм и т. д.

Звуковая партитура музыкальных и шумовых номеров, не связанных непосредственно с работой звукорежиссера и относящихся к работе музыкантов, составляется руководителем музыкальной группы или помощником режиссера. Обычно для этого используют режиссерский вариант сценария, по которому помощник режиссера дает на мероприятии указания музыкантам.

Роль художественного оформления спектакля

Образ спектакля должен обладать могучей силой эмоционального воздействия, воспитывать в людях высокие нравственные и эстетические представления. В волнующем процессе рождения спектакля роль художника отнюдь не второстепенна.

Оформление спектакля - организация всех внешних средств сценической выразительности:

·                      придающих спектаклю определенную форму;

·                      способствующих раскрытию идейного содержания спектакля;

·                      усиливающих воздействие спектакля на зрителя;

·                      определяющих стиль постановки.

Декорации, бутафория, мебель, костюмы, грим и освещение составляют художественное оформление спектакля. У художественного оформления спектакля две задачи: создание определенной зрительной, социальной, исторической, бытовой и психологической среды спектакля для выявления образов героев и организация сценического пространства.

Что касается музыкального оформления. Обычно режиссер того или иного спектакля все-таки имеет хотя бы смутное, иногда весьма приблизительное, представление о том какую музыку (или вовсе не музыку, а некий театральный звук) он хочет слышать в своем спектакле. Выбор композиторов велик от классиков до рока, но, выбирая концепцию оформления спектакля в, первую очередь необходимо обращаться ко времени происходящего действия и к жанру постановки. Предпочтительно, на протяжении всего спектакля использовать музыку одного композитора, ну или, во всяком случае, композиторов одной эпохи или стиля, если конечно не требуется игра на контрастах. С помощью музыки или различных театральных звуков, шумов необходимо попытаться усилить впечатление от того, что в данный момент происходит на сцене. Для этого создать некие музыкальные лейтмотивы героев или их состояний.

При обилии музыки, бывает, что зритель привыкает к ней, и не придает ей значения, а то и раздражается. Сам по себе "децибельный", громкий, агрессивный звук вреден для здоровья и весьма далек от искусства. Чем больше музыки звучит, тем меньше ее воспринимаешь. К тому же, молодой актер привыкает существовать без психологических ходов, не учится держать паузу - характер создается несколькими штрихами, у него в таком спектакле очень мало возможности для углубления характера, для создания образа. Обилие музыки разрушает спектакль, необходимо определять зоны молчания и относится к музыке бережно.

Музыка не должна забирать на себя практически все внимание зрителя. Необходимо подобрать минимально загруженные информацией музыкальные фрагменты. Например, как можно реже использовать текст в песнях, если без данной композиции не обойтись, возможно сделать монтаж (вырезать голос, стараясь сохранить мелодию). Кажется неуместным звучание песни о любви в любовной сцене.

В идеале - музыка должна вести нас за собой, чтобы не было никакой возможности отделить ее от всего того, что происходит на сцене,

Список литературы

1.     Акимов Н.П. Театральное наследие (В двух книгах). - Л., 1978.

2.     Базанов В.В. Техника и технология сцены. - Л.: Искусство, 1976, с. 183-234.

3.     Рындин В.Ф. Как создается художественное оформление спектакля. - М., 1962.

4.     Станиславский К.С. Моя жизнь в искусстве. - М., 1983.

5.  Киселева Н.В., Фролов В.А. Основы системы Станиславского. - Ростов на Дону: Феникс, 2000.

6.  Козюренко Ю.И. Основы звукорежиссуры в театре: Учеб. пособие для театр. учеб. заведений. - М.: Искусство, 1975. - 248 с.

7.  А.Д., Чижикова В.М. - М.: Издательство МГУК, 1981. - 48с.